Der koreanische Künstler Lee Jeongwoong wurde 1982 in Seoul geboren. Im Jahr 2008 schloss er sein Studium an der Sungkyungkwan University ab, danach stellte er intensiv im In- und Ausland aus. Im Jahr 2015 hatte er eine Einzelausstellung mit Shine Artists, wo er Bilder zum Thema „Laputa“ zeigte. Mehrere Stücke, die das Thema aufgriffen, wurden 2016 in der neu eröffneten Pontone Gallery gezeigt.

Verwirklicht in einer verführerisch gerenderten, gegenständlichen Technik, die stark an Alma-Tademas und Frederick Leightons hochviktorianische Romantik erinnert, ist dies eine anspruchsvolle Folge von verwandten Gemälden, die zusammenhängen, um eine Geschichte zu erzählen: „The Fall From Laputa“. Die gleichnamige Fluginsel, die von Jonathan Swift in „Gulliver’s Travels“ geschaffen wurde, wird vom Künstler als Vehikel für seine erfinderische Allegorie gewählt. Während Laputa über Korea hinweggeht, fallen Frauen, die in kolonialer Knechtschaft gefangen sind, an Land und entkommen einem lähmenden und repressiven Regime. Ihre hieratischen Figuren fallen anmutig durch den Raum und gelangen in eine idealisierte koreanische Landschaft, die durch ihre unverwechselbare traditionelle Architektur gekennzeichnet ist. Hier bevölkern sie das Land wie ein gutartiger weiblicher Dienst, archetypisch und emblematisch, symbolisch für die Hoffnungen des Künstlers auf seine Heimat.

Die Gemälde zeigen eine gelungene Subtilität der Ausführung. Der elegant fliessende Farbauftrag, die klare Abgrenzung des perspektivischen Raumes und die suggestive Beschreibung des Lichts sorgen für eine fesselnde Illusion. Der Maler ist ein geschickter Interpret von Farbe und Tonalität und erreicht eine besonders sinnliche Modellierung von Haut und Stoff. Die Anordnung seiner Besetzung mit mysteriösen Charakteren in seiner erfundenen Landschaft sorgt für überzeugend kraftvolle Kompositionen, durch die seine komplexen Absichten wahrgenommen werden können.

Lee Jeongwoongs bewusste Annahme einer so üppigen und anmutigen Ästhetik widerlegt die ernsthafte und manchmal umstrittene Substanz seines Werkes. Er verweist offen auf die problematische Frage der japanischen Kolonisation und ihre anhaltenden Auswirkungen im modernen Korea. Er hat auch über den Konflikt zwischen Moderne und Tradition und die Ambivalenz Koreas gegenüber dem Westen gesprochen. Diese schönen Bilder verkörpern seine Ideen und artikulieren einen dynamischen Widerspruch zwischen harmonischem Aussehen und turbulentem Inhalt.

Born in Minneapolis, USA, 1953

Malcolm Liepke, ein Maler des Körpers, arbeitet mit einer Gruppe von unverwechselbaren, attraktiven Modellen, um Bilder von schwacher und sinnlicher Ausstrahlung zu machen. Sein grafisch vollendeter und bravouröser Umgang mit Farbe und Farbe drückt diese Welt aus und verweist auf Ikonen der Populärkultur, die Pin-up und die glänzenden Oberflächen des vermittelten Bildes, die oft unverhohlene Inspirationsquellen für seine Kompositionen sind.

Liepke’s mise-en-scène fängt Figuren in Posen der studierten Gleichgültigkeit ein. Seine Untertanen sind in selbstverständliche Träumerei vertieft. Einige sind sich ihrer Anziehungskraft bewusst, schauen nach draussen und machen eine Bewertung des Betrachters. Junge, schöne Körper werden beiläufig gezeigt und kunstvoll für die Arena des öffentlichen Konsums enthüllt, wo der Blick und der zufällige Blick die Konvention zur Untersuchung des Objekts der Begierde sind. Dies ist ein Theater von Charakteren, scheinbar lässig, die in ihrem Wunsch nach Aufmerksamkeit strategisch sind.

Der Künstler behandelt Ölfarbe mit riskanter Sicherheit. Dick und cremig, schneidig aufgetragen, um Kontur, Umriss und Silhouette zu beschreiben. Manchmal ist es locker und flüssig, manchmal geronnen und klebrig und oft dick aufgelöst. Der Malfilm erinnert an die Materialität von Haut, Muskeln und Knochen. Reiche Passagen beschreiben Augen und Lippen mit klarem, saftigem Fliessen, Passagen von perlmuttfarbenen Hauttönen artikulieren die kontrastreichen Muskularitäten von männlichen und weiblichen Körpern.

Liepke’s Palette ist reichhaltig und gesättigt. Er arbeitet mit kräftigen Farben, starken Tönen, lebhaften Kontrasten und pulsierenden Ergänzungen. Er verwendet oft «fin-de-sieclé», saure Töne von Chartreuse, Malve und Fuchsia. Dezente Grautöne, grün oder blau schattierend, beschreiben floreszierend beleuchtete Haut und erinnern an die spätnächtliche Atmosphäre von Club oder Bar.

Diese Gemälde sind üppig gefertigte Geräte, die Momente jugendlicher Pracht und Möglichkeiten einfangen. Sie bergen eine Naht der Nostalgie: unsere eigenen Erinnerungen an flüchtige Momente der Anziehung. Liepke’s Models blicken aus dem Bild, in einem Zustand der «wunderschönen Distanz», als ob sie fragen oder herausfordern: «Was hältst du von mir?»