Ausstellung #08
Neujahrs-Apéro:
Do. 16. Januar 2020
18 h – 21 h
Ausstellung:
Fr. 17.01.2020 – 15.03.2020
L’ATLAS
1978 – Frankreich
Lebt und arbeitet in Paris.
L’ATLAS ist ein akribischer Künstler, der sowohl in der Form als auch im sparsamen Umgang mit Farbe nach einer gewissen Einheit sucht. Der östliche Gedanke, dass die Dualität eine Quelle der Komplementarität ist, nimmt einen herausragenden Platz in seinem Leben und in seiner Kunst ein. In der Tat gibt es in den meisten Kompositionen seines Kunstwerks eine immer wiederkehrende Dichotomie zwischen Weiss und Schwarz. Einige Werke wirken fast hypnotisch, das Auge flüchtet sich in die schwarze Linie, um dem vom Künstler vorgeschlagenen Weg zu folgen.
Seit seiner Kindheit schreibt der Künstler seinen Namen gerne an verschiedenen Orten, um diese Orte an die Spur seiner Passage zu erinnern. Er schätzt auch die einfache Freude an der Bewegung der Hand beim Aufbringen seiner Unterschrift. Er lehnte ein zu konformistisches Leben ab und verliess sein Studium der Kunstgeschichte, um sich ganz seiner Liebe zum Schreiben zu widmen. Er zog nach Marokko, um bei einem klassischen Meister die Kunst der arabischen Kalligraphie zu studieren. Dann ging er nach Ägypten und traf einen modernen Meister, der ihm beibrachte, wie man die Regeln verletzt. Zurück in Paris übersetzt L’ATLAS diese Tradition der antiken arabischen Geste mit zeitgenössischen Materialien wie Spray oder Scotch auf Medien wie Leinwand oder Poster. Der Künstler interpretiert das lateinische Alphabet neu, indem er es den Techniken des Koufs unterwirft, der geometrischen arabischen Kalligraphie. Er erfand eine sehr einzigartige Schrift, universell und labyrinthisch, die auch heute noch ein wiederkehrendes Motiv in seinem Werk ist.
Das Werk des ATLAS ist versöhnend, es ist wie eine Brücke zwischen Himmel und Erde, zwischen der Stadt und dem Menschen, dem Äusseren und dem Inneren. So wird beispielsweise eine Serie von sieben Gemälden mit dem Titel «Wandernde Gemälde», die in seinem Atelier entstanden sind, regelmässig vom Künstler während seiner Reisen durch die grossen Städte der Welt transportiert, diese werden in verschiedenen Lebensszenen fotografiert, was ihre Präsenz an verschiedenen Orten zeigt, an denen der Künstler unterwegs ist. Seine Arbeiten wurden in Museen und Institutionen wie «L’invention du monde» im Georges-Pompidou-Zentrum, «Graphologie» im Palais de Tokyo, «Né dans la rue» in der Fondation Cartier, «TAG» im Grand Palais, «Strates» im Maison des Arts of Créteil, «Toiles errantes» an der Ecole Speciale of Architecture in Paris gezeigt, «Bonjour India» in der französischen Allianz von Neu-Delhi… Der Künstler ist auch auf den Internationalen Kunstmessen und Biennalen, Art Beijing, Japan House in Venedig, Moscow International Biennale for Young Art, Cutlog of Paris sowie in der Galerie Magda Danysz Paris-Shanghai, Galerie Catherine Ahnell New-York, Galerie Skalitzers Berlin/Sydney vertreten.
Augustine Kofie
Geboren am November 1973 in Los Angeles, Kalifornien USA Primär selbstständig – Lebt und arbeitet in Los Angeles
Inspiriert von den Grundbausteinen der geometrischen Welt hat Augustine Kofe eine retrofuturistische Ästhetik gebildet, die diese Formen und Winkel in eine seelenvolle, organische und doch hochmathematische Form der Abstraktion überführt. Kofe verschmilzt seine traditionelle Graffiti-Ausbildung, seine Neigung zu «bestimmten Farbformen und Anwendungstechniken», seine tiefe Liebe zur Illustration und zum Vorentwurf, seine Vorliebe für «Entwürfe, architektonische Renderings und Vorproduktions-Konzepte», spielt mit Form und Linie, mit Ausgewogenheit und Tiefe, verdreht und manipuliert seine Wandmalereien, seine Illustrationen, seine Kompositionen zu immer neuen und dramatischen Arrangements.
Geboren und aufgewachsen in Los Angeles, wurde Kofe’s Instinkt zu zeichnen durch die Kreativität seiner Mutter gefördert. Während sie an der UCLA Kunst studierte, benutzte Kofe die Vorräte, die um sein Haus herum lagen, um alleine zu experimentieren, begann er zu zeichnen, als er die Mittelstufe erreicht hatte. Während seine künstlerische Ausbildung nie weiter ging als die High School, wurde Kofe’s wirkliche Ausbildung durch seine Zeit mit dem Malen von Graffiti erworben, er erlangte Mitte der 90er Jahre in der Graffti-Szene von Los Angeles Berühmtheit. Mit einem umfassenden Verständnis von «Farbe und Schichtung, Perspektiven und Anordnung» gab Graffti Kofe nicht nur seine technische Grundlage, sondern auch die Grundlage für seine Liebe zu Konstruktion und Form: Durch das Entwerfen und Skizzieren von Wildstyle-Stücken, «das Strecken der Buchstaben und deren Neuaufbau, das Versetzen in verschiedene Perspektiven und das grundsätzliche Bauen von Formen», begann Kofe die architektonischen Grundlagen des Schreibens zu verstehen, ein Verständnis, das ihn dazu brachte, sich auf die linearen und nicht auf die alphabetischen Aspekte seiner Arbeit zu konzentrieren. Da er auch das Gefühl hatte, einen ehrlichen Beitrag zur Graffti-Szene in LA geleistet zu haben, bedeutete Kofe’s evolutionärer Antrieb, dass er bald anfing, seine Arbeit zu «verzerren und zu manipulieren» und versuchte, «etwas Neues neu zu beisteuern und zu verteilen».
Kofe entwickelte seine Ästhetik zu einer fast reinen Abstraktion, dominiert von den einfachen Quadraten, Dreiecken und Kreisen, die unser strukturelles Universum ausmachen, und sein unerbittlicher Wunsch, zu experimentieren und seine visuelle Umgebung zu erforschen, zwang ihn zu einem ständigen Test seiner eigenen Denkweise und vorgefassten Ideen, die jeweils einen Versuch darstellen, eine geometrische Lösung für ein grafisches Problem zu finden. Kofe setzt seine ganze Seele in sein Werk, in sein Handwerk ein und bildet so einen intensiv geschichteten, erdigen, dynamischen Stil des zeitgenössischen Wandmalismus, eine illustrative Praxis, die tief greift und nach vorne schaut, eine Praxis wie der römische Gott Janus, die gleichzeitig die Zukunft und die Vergangenheit untersucht.
Rafael Schacter, ehrenamtlicher wissenschaftlicher Mitarbeiter am Department of Anthropology am University College, London, 2013.
*Kooperation mit David Bloch Gallery, Marrakesch